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Libros

La lectura es el proceso de comprensión de algún tipo de información o ideas almacenadas en un soporte y transmitidas mediante algún tipo de código, usualmente un lenguaje, que puede ser visual o táctil (por ejemplo, el sistema braille). Otros tipos de lectura pueden no estar basados en el lenguaje tales como la notación o los pictogramas.También se le puede dar el significado como una de las habilidades humanas para descifrar letras o cualquier otro idioma que esté o no inventado por el ser humano.

“Algunos libros son probados, otros devorados, poquísimos masticados y digeridos”. Sir Francis Bacon.

EL PRINCIPITO

El principito (en francésLe Petit Prince) es una novela corta y la obra más famosa del escritor y aviador francés Antoine de Saint-Exupéry (1900-1944).

La novela fue publicada en abril de 1943, tanto en inglés como en francés, por la editorial estadounidense Reynal & Hitchcock, mientras que la editorial francesa Éditions Gallimard no pudo imprimir la obra hasta 1946, tras la liberación de Francia. Incluido entre los mejores libros del siglo XX en FranciaEl principito se ha convertido en el libro escrito en francés más leído y más traducido. Así pues, cuenta con traducciones a más de doscientos cincuenta idiomas y dialectos, incluyendo el sistema de lectura braille. Además, el libro es considerado el primero del mundo en haber sido transcrito en símbolos fonéticos en lengua inglesa para estudiantes de inglés como segunda lengua. La obra también se ha convertido en uno de los libros más vendidos de todos los tiempos, puesto que ha logrado vender más de 140 millones de ejemplares en todo el mundo, con más de un millón de ventas por año. La novela fue traducida al español por Bonifacio del Carril y su primera publicación en dicho idioma fue realizada por la editorial argentina Emecé Editores en septiembre de 1951. Desde entonces, diversos traductores y editoriales han realizado sus propias versiones.

Saint-Exupéry, ganador de varios de los principales premios literarios de Francia y piloto militar al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, escribió e ilustró el manuscrito mientras se encontraba exiliado en los Estados Unidos tras la batalla de Francia. Ahí tenía la misión personal de persuadir al gobierno de dicho país para que le declarara la guerra a la Alemania nazi. En medio de una crisis personal y con la salud cada vez más deteriorada, produjo en su exilio casi la mitad de los escritos por los que sería recordado; entre ellos, El principito, un relato considerado como un libro infantil por la forma en la que está escrito, pero que es en realidad una crítica de la adultez en el que se tratan temas profundos como el sentido de la vida, la soledad, la amistad, el amor y la pérdida.

En relatos autobiográficos previos, se relatan sus experiencias como aviador en el desierto del Sahara y se cree que esas mismas experiencias le sirvieron como elementos para el argumento de El principito. Desde su primera publicación, la novela ha dado lugar a diversas adaptaciones a lo largo del tiempo, entre las que se incluyen grabaciones de audio, obras de teatro, películas, ballets, obras de ópera e incluso una serie animada y un anime.

EL AMANTE

El amante es una novela seudoautobiográfica de Marguerite Duras, publicada en 1984​ ganó para su autora el Premio Goncourt y fue traducida a 43 lenguas. De tintes eróticos, está ambientada en la Indochina colonial.

Trata de una adolescente de origen francés que vive en Indochina y cuya familia está arruinada. Ella se hace amante de un chino adinerado y mantiene una relación con él a lo largo de un año y medio.

Fue llevada al cine por Jean-Jacques Annaud con el título de El amante.

Conexiones con la vida real

El amante chino de Duras se llamaba Lee Von Kim. Lee localizó a Marguerite en Francia después de muchos años, cuando ella ya era un personaje conocido, la autora indica que la llamó por teléfono y le dijo que aún la amaba.

Lo último que ella escucho de él fue que se convirtió en cristiano, se casó con aquella mujer con quien su padre había arreglado el matrimonio y formó una familia. Murió y fue enterrado en la misma ciudad de Vietnam en la que Duras lo conoció.

Duras solo tenía quince años cuando mantuvo esta relación amorosa, edad de la heroína de la novela.

La reina sola

Jorge Molist

Sinopsis de La reina sola:

Una mujer enfrentada a los tres mayores poderes de su época.

Amor, odio y venganza. Una apasionante historia que cambió el destino de España y el poder en el Mediterráneo.

Una joven reina recién coronada y sin experiencia de gobierno es abandonada por su marido en los peores momentos de su pequeño reino.

Unos nobles hostiles, ansiosos de poder, provocan sangrientas revueltas que amenazan su vida y la de sus hijos. Además, deberá enfrentarse, con la ayuda de unos pocos fieles, a los tres mayores poderes del siglo XIII: Carlos, el gran emperador mediterráneo, Francia y un papa despiadado.

Mientras, a su esposo Pedro le espera el engaño y una devastadora cruzada de un poder diez veces mayor al suyo, que invadirá la corona de Aragón, arrasándolo todo.

Amor, odio y venganza. Una apasionante historia que cambió el destino de España y el poder en el Mediterráneo

SOBRE EL AUTOR

Jorge Molist

Barcelona, 1951

Jorge Molist mostró una temprana vocación por la escritura, que se vio obligado a aplazar por razones familiares. Finalmente, pudo satisfacerla después de una larga y destacada trayectoria profesional en grandes corporaciones, y publicó en el año 2000 Los muros de Jericó, y Presagio en 2003. Le siguieron esta novela, El Anillo (2004), editada en más de veinte idiomas, y La reina oculta (2007), que obtuvo el Premio de Novela Histórica Alfonso X el Sabio. En 2011 publicó Prométeme que serás libre, y Tiempo de cenizas en 2013. Canción de sangre y oro fue merecedora del Premio de Novela Fernando Lara 2018. Ahora en 2021 acaba de publicar La reina sola.

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Simone Weil

Simone Weil (París, 3 de febrero de 1909-Ashford, 24 de agosto de 1943) fue una filósofa, activista política y mística francesa. Formó parte de la Columna Durruti durante la Guerra Civil española y perteneció a la Resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Dejó abundantes escritos filosóficos, políticos y místicos, incentivados por su publicación tras su muerte en 1943 a causa de tuberculosis. Albert Camus la describió como «el único gran espíritu de nuestro tiempo».

Simone Weil nació en el seno de una familia judía intelectual y laica: su padre era un médico renombrado y su hermano mayor, André Weil, un matemático reputado. Su nombre se pronuncia   Estudió filosofía y literatura clásica, y fue alumna de Alain (Émile Chartier). A los diecinueve años de edad ingresó, con la calificación más alta, seguida por Simone de Beauvoir, en la Escuela Normal Superior de París. Se graduó a los veintidós años y comenzó su carrera docente en diversos liceos.

En uno de sus escritos autobiográficos, Simone de Beauvoir comentó sobre Weil: «Me intrigaba por su gran reputación de mujer inteligente y audaz. Por ese tiempo, una terrible hambruna había devastado China y me contaron que cuando ella escuchó la noticia, lloró. Estas lágrimas motivaron mi respeto, mucho más que sus dotes como filósofa. Envidiaba un corazón capaz de latir a través del universo entero».

Al comienzo de los años 1930, partió por algunas semanas a Alemania y a su regreso escribió algunos artículos donde expresó con lucidez hacia dónde se dirigía dicho país. A los veintitrés años de edad fue transferida del liceo donde trabajaba por encabezar una manifestación de obreros cesantes. Los problemas con los superiores de los liceos se sucedieron, por cuestiones políticas y de metodología docente, lo que significó que una y otra vez fuera transferida de liceo. Conoció a León Trotski en París, con quien discutió sobre la situación rusa, Stalin, y la doctrina marxista.

A los veinticinco años, abandonó provisionalmente su carrera docente para huir de París y, durante 1934 y 1935, trabajó como obrera en Renault: «Allí recibí la marca del esclavo», dijo. En 1941, ya en Marsella, trabajó como obrera agrícola. Pensaba que el trabajo manual debía considerarse como el centro de la cultura y sostuvo que la separación creciente a lo largo de la historia entre la actividad manual y la actividad intelectual había sido la causa de la relación de dominio y poder que ejercían los que manejaban la palabra sobre los que se ocupaban de las cosas.

Pacifista radical, luego sindicalista revolucionaria, finalmente llegó a pensar que solo era posible un reformismo revolucionario: los pobres estaban tan explotados que no tenían la fuerza de alzarse contra la opresión y, sin embargo, era absolutamente imprescindible que ellos mismos tomaran la responsabilidad de su revolución. Por eso era necesario crear condiciones menos opresivas mediante avances reformistas para facilitar una revolución responsable, menos precipitada y violenta.

Sindicalista en la educación, se mostró a favor de la unidad sindical y escribió en la revista La Escuela Emancipada. Antiestalinista, participó desde 1932 en el Círculo comunista democrático de Boris Souvarine a quien había conocido a través de Nicolás Lazarévitch. Participó en la huelga general de 1936. Militó apasionadamente por un pacifismo intransigente pero, al mismo tiempo, formó parte de la columna Durruti en España que luchaban contra el levantamiento militar encabezado por Francisco Franco. Fue periodista voluntaria en Barcelona, y se incorporó a los combatientes armados en el frente de Aragón, participando en alguna acción de guerra. Tras ser testigo del fusilamiento de un joven falangista, escribiría en su diario: «Me tumbo de espaldas, miro las hojas, el cielo azul. Es un día precioso. Si caigo presa, me matarán…Pero lo tengo merecido. Los nuestros han vertido sangre de sobra. Soy moralmente cómplice. Se están produciendo formas de control y casos de inhumanidad absolutamente contrarios al ideal libertario».2​ Meses después se dirigiría al escritor católico francés Georges Bernanos, quien por su parte había denunciado, a pesar de tener un hijo luchando junto con los sublevados, las atrocidades del bando franquista en Mallorca (Les grands cimetières sous la lune, 1938), reconociendo la honestidad de su denuncia: «Nunca nadie ni entre los españoles ni los franceses que estaban en España combatiendo o de visita -estos últimos casi siempre intelectuales inofensivos-, habló de las matanzas inútiles con repulsa, disgusto o rechazo siquiera. Sí, es verdad que el miedo desempeña un papel importante en la carnicería; pero donde yo estaba no parecía tener tanta importancia […] Mi teoría es que una vez que las autoridades temporales y espirituales han decidido que las vidas de ciertas personas carecen de valor, nada es tan natural en el hombre como matar. Tan pronto como los hombres saben que pueden matar sin temor a represalias, empiezan a matar, o al menos, animan a los asesinos con sonrisas de aprobación».​ Fue durante esta etapa cuando se la relacionó con el dibujante José Luis Rey Vila, que posiblemente adoptó el seudónimo Sim en homenaje a Simone.

La Segunda Guerra Mundial

Lúcida sobre lo que estaba sucediendo en Europa nunca tuvo demasiadas ilusiones de las amenazas que desde el comienzo de la guerra se cernían sobre ella y su familia. Su familia estaba en grave peligro de ser clasificada como no-aria, con las consecuencias del caso. Irónicamente, Weil no tuvo formación judía alguna. Sus escritos religiosos son netamente cristianos, si bien sumamente heterodoxos. Su posición frente al judaísmo y a la identidad comunitaria judía es de rechazo explícito y total, propiciando que haya sido acusada de «autoodio» por algunos autores.

Cuando en 1940 es obligada a huir de París y refugiarse en Marsella, escribe permanentemente para exponer una filosofía que se quiere proyecto de reconciliación —siempre dolorosa— entre la modernidad y la tradición cristiana, tomando como brújula el humanismo griego.

En 1942, visita a sus padres y hermano en Estados Unidos, pero más tarde parte hacia Inglaterra para incorporarse a la resistencia, aunque se ve limitada a trabajar como redactora en los servicios de Francia Libre, liderada por el general Charles de Gaulle. En julio de 1943 deja de pertenecer a esta organización.

En este período final de su vida profundiza en la espiritualidad cristiana. Sin embargo, su acercamiento es heterodoxo y no excluye el interés por otras tradiciones religiosas. También se interesó en estos años por la no violencia preconizada por Gandhi —que ella juzgaba más reformista que revolucionaria— y tuvo algunos encuentros con Lanza del Vasto.

En 1943 se le diagnostica tuberculosis. Se interna en un sanatorio de Ashford, en Inglaterra, donde fallece en agosto con 34 años. La causa exacta de su muerte es objeto de debate. Algunos de sus biógrafos subrayan su deseo de compartir las condiciones de vida de la Francia ocupada por la Alemania nazi, lo que la habría llevado a no alimentarse lo suficiente, agravando así su enfermedad.

Según un testimonio, fue bautizada poco antes de morir.

Todas sus obras aparecieron después de su muerte, editadas por sus amigos. Desde entonces, ha atraído la atención creciente de literatos, filósofos, teólogos, sociólogos y lectores corrientes por su ética de la autenticidad y la rara combinación de lucidez, honestidad intelectual y desnudez espiritual de su escritura.

Albert Camus, uno de sus editores y amigo, admiró su obra como una de las más importantes del fin de la guerra. Camus la describió en 1951 como «el único gran espíritu de nuestro tiempo». T.S. Eliot dijo que la obra de Simone Weil pertenecía a ese género de «prolegómenos de la política, libros que los políticos rara vez leen, y que tampoco podrían comprender y aplicar». Consideraba que debían ser leídos por los jóvenes antes de que las propagandas políticas anularan su capacidad de pensamiento.

BREVE TRATADO SOBRE LA ESTUPIDEZ HUMANA. RICARDO MORENO CASTILLO

Sinopsis de BREVE TRATADO SOBRE LA ESTUPIDEZ HUMANA

A la estupidez, que no conoce límites, solo cabe combatirla, por muy desigual que resulte la lucha y mucha sea la pereza que nos venza. Es preciso sacudírsela permanentemente para no tener que deplorar males mayores, porque es más dañina que la maldad. Este breve tratado sobre la estupidez humana va dirigido contra los idiotas, tontos y necios que nos rodean, y contra las ideologías que contribuyen poderosamente cada día a incrementar sus filas y fomentar la estupidez: son jaulas de las que no se puede salir, que impiden pensar, discurrir, dudar y razonar. En tiempos del más obtuso populismo, de las frivolidades de la posverdad, de los estragos del nacionalismo, de los desvaríos del nuevo lenguaje presuntamente inclusivo, de la ciega militancia del animalismo y del postureo de cierto feminismo de sofá, Ricardo Moreno, ejemplo de lºcido esceptico racionalista, firma un libro muy oportuno y actual, pero sobre todo inteligente y con grandes dosis de sentido del humor.


RICARDO MORENO CASTILLO

 Nació en Madrid en 1950. Es licenciado en Matemáticas y desde 1975 catedrático de instituto. Posteriormente estudió la carrera de Filosofía y se doctoró con una tesis sobre historia de la matemática. Sobre este tema ha publicado varios libros y numerosos artículos. Entre los primeros están Pensamento matemático en Galicia (Edicions do Castro), 13 matemáticos galegos (Editorial Anaya) y, en la Editorial Nivola, Omar Jayyam, poeta y matemático; Fibonacci, el primer matemático Medieval; Plücker y Poncelet, dos modos de entender la geometría, y una traducción del Compendio del arte del cálculo, de Ibn al-Samh. En la actualidad ejerce en el instituto Gregorio Marañón de Madrid y también es profesor asociado en la Facultad de Matemáticas de la Universidad Complutense.

La chica de nieve – Javier Castillo

Tras el rotundo éxito de la bilogía El día que se perdió la cordura y El día que se perdió el amor y, Todo lo que sucedió con Miranda HuffJavier Castillo vuelve con un nuevo thriller que no dejará indiferente a nadie. Si eres de esas personas a las que le gusta sentir la tensión mientras se sumerge en las páginas de un libro, La chica de nieve es sin duda la mejor opción para tí. 

Nueva York, 1998, cabalgata de Acción de Gracias. Kiera Templeton, de tan solo tres años de edad, desaparece sin dejar rastro. Tras buscar exhaustivamente por todos los rincones de la ciudad, se encuentran unos mechones de pelo y la ropa que llevaba puesta ese día.

En 2003, el día que hubiese sido el octavo cumpleaños de la pequeña, sus padres, reciben un paquete que contiene una cinta de vídeo VHS que contiene un vídeo de Kiera con ocho años jugando en una habitación.

Miren Triggs, una estudiante de periodismo de la Universidad de Columbia, siente curiosidad por el caso y comienza una investigación paralela. Esto la lleva a desentrañar aspectos de su pasado que creía olvidados, y es que su historia personal, al igual que la de la protagonista, está llena de incógnitas.

La madre de Frankenstein – Almudena Grandes

Almudena Grandes presenta su nueva obra La madre de Frankenstein. La escritora madrileña se dió hace 20 años cuando escribió Las edades de Lulú, gracias a la cual obtuvo XI Premio La Sonrisa Vertical. Desde ese momento no ha dejado de conquistar tanto a los lectores como a la prensa, quienes han recibido sus novelas con una gran acogida.

Esta nueva novela titulada La madre de Frankenstein pertenece al círculo de Los Episodios de una Guerra Interminable. La historia comienza en el año 1954 con la vuelta del joven psiquiatra Germán Velázquez a España. Regresa después de haber vivido 15 años en Suiza acogido por la familia del doctor Godstein, para trabajar en el manicomio de mujeres de Ciempozuelos situado en el sur de la capital.

Allí se reencuentra con Aurora Rodríguez Carballeira, una parricida paranoica,con una gran inteligencia, que le fascinó a los trece años. Además, conoce a una auxiliar de enfermería, María Castejón, a la que doña Aurora enseñó a leer y a escribir cuando era una niña. 

El protagonista se siente atraído por esta enfermera, pero no llega a comprender el rechazo de ésta hacia él por lo que sospecha que oculta algo de su pasado. A través de las hojas del libro se irá descubriendo su origen modesto como nieta del jardinero del manicomio, sus años de criada en Madrid, su desafortunada historia de amor, a la par que los motivos por los que Germán ha regresado a España.

Dos almas gemelas cuyo objetivo es huir de sus respectivos pasados, Germán y María quieren darse una oportunidad, pero viven en un país humillado, donde los pecados se convierten en delitos, y el puritanismo, la moral oficial, encubre todo tipo de abusos y atropellos. 

Destacada

Cine/Películas/Series

La historia del cine como espectáculo comenzó en París el 28 de diciembre de 1895.

Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde sus inicios con el cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluidas las convenciones del género, y han surgido así distintos géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, con lo que se desarrollaron distintos movimientos cinematográficos.

Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina «séptimo arte». No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones televisivas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica.

La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood (California, Estados Unidos) y Bollywood (Bombay, la India).

(1,887) El caballo en movimiento

En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California. Leland Stanford, exgobernador del Estado y poderoso presidente de la Central Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante, durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de Valores de San Francisco, afirmaba lo contrario.

Eadweard Muybridge dio por terminada esa polémica con esta secuencia de imágenes que Mostraban a « El caballo en movimiento » uno de los predecesores de la captura de movimiento

BLADE RUNNER

Blade Runner (en algunos países El cazador implacable) es una película neo-noir y de ciencia ficción estadounidense dirigida por Ridley Scott, estrenada en 1982. Fue escrita por Hampton Fancher y David Webb Peoples, y el reparto se compone de Harrison FordRutger HauerSean YoungEdward James OlmosM. Emmet WalshDaryl HannahWilliam SandersonBrion JamesJoe Turkel y Joanna Cassidy. Está basada parcialmente en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968). Es la primera película de la franquicia Blade Runner.

La acción transcurre en una versión distópica de la ciudad de Los ÁngelesEE. UU., durante el mes de noviembre de 2019. Describe un futuro en el que, mediante bioingeniería, se fabrican humanos artificiales denominados replicantes, a los que se emplea en trabajos peligrosos y como esclavos en las «colonias del mundo exterior» de la Tierra. Fabricados por Tyrell Corporation para ser «más humanos que los humanos» —especialmente el modelo Nexus-6—, son indistinguibles físicamente de un humano, aunque tienen una mayor agilidad y fuerza física, y carecen teóricamente de la misma respuesta emocional y empática. Los replicantes fueron declarados ilegales en la Tierra tras un sangriento motín ocurrido en una colonia exterior. Un cuerpo especial de la policía, los blade runners, se encarga de identificar, rastrear y matar —o «retirar», en términos de la propia policía— a los replicantes fugitivos que se encuentran en la Tierra. Con un grupo de replicantes suelto en Los Ángeles, Rick Deckard, un «viejo» blade runner, es sacado de su semi-retiro para eliminarlos.

Inicialmente Blade Runner recibió críticas mixtas de parte de la prensa especializada. Unos se mostraron confundidos y decepcionados de que no tuviese el ritmo narrativo que se esperaba de una película de acción, mientras otros apreciaban su ambientación y complejidad temática. La película no obtuvo buenos resultados de taquilla en los cines norteamericanos, pero fue posteriormente revalorizada en el mercado doméstico hasta convertirse en una película de culto, siendo considerada una de las mejores películas de ciencia ficción y una precursora del género ciberpunk. Fue candidata a dos Óscar (mejor dirección artística y mejores efectos visuales), ganó tres Premios BAFTA de ocho nominaciones, y la banda sonora compuesta por Vangelis fue nominada al Globo de Oro.

Blade Runner ha sido elogiada como una de las películas más influyentes de todos los tiempos, tanto por su ambientación detallada y original, considerada un hito visual posmoderno con su descripción realista de un futuro en decadencia, como por adelantarse en plantear temas y preocupaciones fundamentales para el siglo XXI. Su banda sonora, sus efectos especiales y su fotografía han sido igualmente aclamados. Blade Runner también permitió poner a Philip K. Dick en la mira de Hollywood y desde entonces muchas películas se han inspirado en su obra literaria. En 1993 fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser «cultural, histórica o estéticamente significativa». En 2017 fue estrenada su continuación con el título Blade Runner 2049.

Siete versiones de Blade Runner existen como resultado de los controvertidos cambios realizados a petición de varios de los productores co-ejecutivos. Un montaje del director se lanzó en 1992 tras una fuerte acogida a la proyección de un Workprint. Esto, junto a su éxito como cinta de alquiler en los videoclubes, hizo que en 1997 fuese una de las primeras películas en ser estrenadas en formato DVD. En 2007, Warner Bros. lanzó el Final Cut, una versión remasterizada digitalmente por el 25.º aniversario, y el único montaje sobre el cual Scott retuvo el control artístico completo.

El replicante Roy Batty, de 'Blade Runner' (1982).
la secuela de ‘Blade Runner’ se titula ‘Blade Runner 2049’

SERIE ‘The Leftovers’: la mejor serie que nadie ha querido ver

The Leftovers  (Los sobrantes) es una serie de televisión estadounidense creada por Damon Lindelof y Tom Perrotta para el canal HBO. Está basada en la novela de Perrotta del mismo título. El episodio piloto fue escrito por Lindelof y Perrotta y dirigido por Peter Berg. La serie está protagonizada por Justin TherouxCarrie CoonAmy BrennemanChristopher EcclestonLiv Tyler y Chris Zylka, y fue estrenada el 29 de junio de 2014 en Estados Unidos.​ En España fue estrenada el 30 de junio de 2014 por Canal+ Series.

El 13 de agosto de 2014, HBO anunció la renovación de la serie para una segunda temporada.

El 10 de diciembre de 2015, se dio a conocer que la serie fue renovada para una tercera y última temporada ​cuyo estreno fue programado para el 16 de abril de 2017.

Argumento

The Leftovers tiene lugar tres años después de un evento mundial en el que muchas personas desaparecieron, conocido como la “Ascensión”, que causó la inexplicable desaparición de 140 millones de personas, el 2% de la población mundial. La historia se centra principalmente en la familia Garvey y sus conocidos en la ciudad ficticia de Mapleton, Nueva York. Kevin Garvey es el Jefe de Policía. Su mujer, Laurie, se ha unido a una secta llamada “Remanente Culpable”. Su hijo, Tommy, se fue de casa para ir a la universidad, la abandonó para vincularse a un gurú al que llaman “Santo Wayne”, mientras su hija, Jill, está actuando de forma impulsiva.

The Wilds: La serie que apuesta por personajes complejos y alejados de los clichés

Analizamos el éxito de la nueva serie de Amazon Prime Video que acaba de ser renovada para una segunda temporada.

Hace unos meses te contamos sobre el estreno de The Wilds, la nueva serie de Amazon Prime Video creada por Sara Streicher. A pocos días de su exitosa presentación, la plataforma anunció que la aclamada producción fue renovada para una segunda temporada. Pero, ¿qué tiene de especial esta historia de adolescentes?

The Wilds comienza con desconcierto, miedo y confusión. Nueve chicas que se dirigían a un retiro de mujeres en Hawái, despierta en distintas partes de una isla desierta. El presente de la serie está situado en una sala de interrogación en la cual un equipo investiga qué fue lo que sucedió y a partir de flashbacks conocemos la historia de estos complejos personajes.

Fatin (Sophia Ali) es extrovertida y excéntrica. Sabe lo que quiere, dónde, cuándo y con quién. Se roba la mayoría de las risas con sus comentarios ingeniosos e inesperados. Rápidamente logra enfurecer a Toni (Erana James), mecha corta para encenderse de enojo, especialmente si le preguntan si es del signo de Aries. Toni gana puntos en simpatía al ser protectora de las personas que quiere, así como lo demuestra con su mejor amiga que viajó con ella, Martha (Jenna Clause), indiscutidamente la “buena” del grupo. Es una amante de los animales, vegetariana y con una filosofía de vida donde el mundo es color de rosa.

Y hablar de un mundo rosa es hablar de Shelby (Mia Healey), una tradicional chica cristiana bondadosa que poco a poco va mostrando su lado oscuro. Es ejemplo de que aún contando con una belleza hegemónica, tiene luchas internas como todas las demás. Claro que quien más sabe de luchas es Rachel (Reign Edwards), una de las personalidades más determinantes y enérgicas del grupo. Se deja ver fuerte y débil a la vez, segura y repleta de miedos. Si se escucha un rugido feroz desde la otra punta de la isla, no fue ningún león… fue Rachel. Muchos de sus gritos son dirigidos a Nora (Helena Howard) su hermana sobreprotectora que es una enciclopedia de conocimientos y una de las más tranquilas del grupo. Con sus miradas de reojo y pasos silenciosos, logra averiguar cada cosa que sucede en esa playa.

Y quien no se queda atrás en hacer sus teorías e investigaciones es Leah (Sarah Pidgeon), probablemente el estereotipo adolescente más marcado de la serie: eclipsada por un romance que se vuelve el centro de su universo, insegura y acostumbrada a mentirle a sus padres en todo momento. Entre tanta variedad de caracteres, bendita es la presencia de Dot (Shannon Berry), una líder innata, sincera y servicial. No le interesan las apariencias ni fingir ser quien no es.

Las protagonistas de The Wilds – Foto: Amazon Prime Video

Sobrevivir en una isla desierta no es fácil, pero puede resultar un poco mejor con ayuda de las personas que te rodean. Si una está herida, automáticamente se levantan manos para ofrecer ayuda. Si otra tiene frío, le prestan de sus pocas pertenencias para abrigarla. Especialmente en los momentos de colapsos emocionales, estas jóvenes mujeres no dudan en sostenerse unas de otras.

Ya desde el primer capítulo, The Wilds deja abiertas, al menos, un millón de dudas. ¿Fue un accidente? ¿Cómo caen del avión sin hacerse ni un rasguño? ¿Acaso fueron elegidas estratégicamente? ¿Qué no nos cuentan los flashforward? Dos palabras para satisfacer la intriga: maratón ininterrumpida.

El punto clave para construir un buen personaje es la profundidad: crear una narrativa que ayude a entender por qué es cómo es. Gracias a las tres líneas temporales brillantemente intercaladas en la serie, es posible adentrarse en la vida desde distintos ángulos de cada superviviente. Cada detalle las hace más únicas e interesantes, como las rutinas cansadoras de entrenamiento de Rachel, saltadora de trampolín, y Fatin, chelista. O las dinámicas familiares atípicas de Dot y Toni, quienes se ven forzadas a saltarse su infancia y ser adultas desde que tienen memoria.

Las pasiones y preocupaciones de estas chicas van más allá de ir a fiestas, ser populares o lograr que la persona que les gusta se fije en ellas. Quizás el título Salvajes les quede corto, pero es un buen comienzo.

National Geographic presenta un documental sobre Frida Kahlo: ‘Frida: Viva la vida’

A través de entrevistas exclusivas, material de archivo y dramatizaciones, la película recorre la carrera de la artista y repasa algunas de sus grandes obras.

Frida: Viva la vida.

El lunes 8 de marzo, National Geographic estrenará Frida: Viva la vida, documental dirigido por Giovanni Troilo y producido por Ballandi Arts y Nexo Digital sobre la vida de la reconocida pintora mexicana Frida Kahlo.

A través de entrevistas exclusivas, material de archivo y dramatizaciones, la película recorre la carrera de la artista y repasa algunas de sus grandes obras como “Las dos Fridas” (1939), “La columna rota” (1944) y “El venado herido” (1946) a la vez que pone el foco en su complicada vida, marcada por un accidente automovilístico que la postró en una cama y la obligó a someterse a reiteradas operaciones.

Cartas, diarios, fotografías y objetos personales -guardados en el Museo Frida Kahlo que normalmente no se encuentran en exposición pública-, forman parte de este audiovisual que abarca las dos caras de la pintora y revela “cómo su arte tiene raíces en la pintura tradicional del siglo XIX, en los retablos mexicanos y sus compañeros de vida, desde Diego Rivera hasta Trotsky. A través de la iconografía precolombina, Frida también explora el verdadero significado de los opuestos: dolor y placer, oscuridad y luz, la luna y el sol, la vida en la muerte y la muerte en la vida”.

Con relatos e intervenciones de especialistas y artistas como Hilda Trujillo -quien fue directora del Museo Frida Kahlo y del Museo Anahuacalli-; las fotógrafas Cristina Kahlo -sobrina nieta de Frida- y Graciela IturbideCarlos Phillips -director general del Museo Frida Kahlo, el Museo Anahuacalli y el Museo Dolores Olmedo- y la bailarina Laura VargasFrida: Viva la vida busca develar quién era realmente Frida y cómo su obra influenció la carrera de tantos otros artistas.

Cillian Murphy de Peaky Blinders elige sus cinco películas favoritas

En una entrevista con Rotten Tomatoes, el irlandés reveló los nombres de sus películas favoritas. Conocé la lista a continuación.

Cillian Murphy en Peaky Blinders – Foto: BBC

Cillian Murphy no solo es un gran actor sino también un amante del cine antiguo. En el 2016, el irlandés se sentó a dialogar con la gente de Rotten Tomatoes y reveló los nombres de sus películas favoritas de todos los tiempos comenzando con Scarecrow, la obra de de 1973 de Jerry Schatzberg, sobre la que contó: “Alquilé esta cinta por error cuando tenía 15 años con mi hermano. Nos dijeron que era de terror. Prácticamente me hizo querer ser actor. Al Pacino te romperá el corazón. Y Gene Hackman te romperá el otro corazón”.

Con el intérprete de Tony Montana y Michael Corleone (entre tantos otros papeles) en mente, Murphy pasó a mencionar a uno de los colaboradores más cercanos del icónico actor: Martin Scorsese, el director de Mean Streets, la segunda elección de Cillian. “Otra película formativa muy temprana para mí”, aseguró. “Extraordinaria energía y actuaciones de De Niro y Keitel, con Scorsese comenzando a hechizar el cine en la década de 1970”.

En tercer lugar, el responsable de darle vida a Thomas Shelby en Peaky Blinders se quedó con La Haine, largometraje de Mathieu Kassovitz estrenado en 1996. Sobre éste, afirmó: “Sigue siendo relevante, todavía impactante. Actuaciones y dirección impresionantes. Una cinta que vuelvo a visitar muy a menudo. Vincent Cassel es una suerte de héroe”.

Las selecciones finales de Murphy fueron The Butcher Boy (Neil Jordan, 1997) y The Night of the Hunter (Charles Laughton, 1955). Sobre la primera comentó: “Podría decirse que es el mejor libro y película irlandesa de las últimas décadas. Retorcido, divertido y oscuro. Pat McCabe y Neil Jordan son maestros”, mientras que a la última la catalogó como “una obra maestra, visualmente y en muchos sentidos, pero también una tragedia ya que Charles Laughton solo dirigió este film. […] Robert Mitchum es increíblemente magnético”, sentenció.

Las películas favoritas de Cillian Murphy:

Destacada

Tatuajes

La evidencia más antigua de tatuajes en momias se encontró en una perteneciente a la Cultura Chinchorro, en la costa de Chile. En estas se conservan tatuajes existentes datados en el año 2000 a. C. Este tatuaje consiste en un bigote delgado sobre el labio superior de un hombre adulto.

Inclusive, en la misma zona se ha encontrado evidencia arqueológica que datan de hasta 6.000 años de antigüedad que podrían representar herramientas para el tatuaje.

En 1991 se encontró una momia neolítica dentro de un glaciar de los Alpes de Ötztal, con 77 tatuajes en su cuerpo (68 en la muñeca, 2 en la zona lumbar de la espalda, 5 en la pierna derecha y 2 en la izquierda). Esta momia es conocida como el «Hombre de Hielo». Es el cadáver humano con piel más antiguo que se ha encontrado y su antigüedad varía según distintos autores: Cate Lineberry, le ha calculado unos 5200 años de antigüedad. Sin embargo, las distintas culturas que utilizaron el tatuaje lo hicieron de distintas maneras; tanto como arte, en el sentido de creación de significados rituales o simbólicos, como ocurría en el Antiguo Egipto, como para marcar o señalar a los criminales, que es el caso de las antiguas Grecia y Roma. Incluso se cree que, por su posición en el «Hombre de Hielo», las marcas cumplieron un fin terapéutico, semejante a la acupuntura. Otras famosas momias antiguas con tatuajes que se han encontrado han sido la momia de Amunet, proveniente del Antiguo Egipto, y la momia está demostrando que la práctica del tatuaje es tan antigua como la historia de la humanidad. Además también se utilizaba en algunas tribus para diferenciarse los unos con los otros.

En 2006, también en la costa norte de Perú, se dio a conocer una momia de hace 1500 años en el Complejo Arqueológico El Brujo: la Dama de Cao, en cuyos brazos y manos aún se conservaban tatuajes de serpientes, arañas, cocodrilos, monos y leopardos. Según creencias religiosas se presume que el origen de este arte en la antigüedad estaba dedicado al culto hacia los muertos, ya que en muchos casos la tinta era en realidad cenizas resultado de una cremación. En la Biblia se menciona con cierta similitud con esta hipótesis en el libro de Levitico 19:28 en el que se les prohibió este tipo de comportamiendo a los israelitas cuando iban camino a la tierra prometida.

Seis tatuadores imprescindibles en Málaga: arte a flor de piel

  • El tattoo como forma de expresión artística y no sólo como excusa para darle un disgustazo a nuestras madres
La tatuadora Laura Ortiz inyecta su arte en la piel de sus clientes.
La tatuadora Laura Ortiz inyecta su arte en la piel de sus clientes.

FRANCISCO M. ROMERO CON LA COLABORACIÓN DE GUILLERMO ROMERO

En la novela Clara y la penumbra, el escritor José Carlos Somoza imagina una realidad donde los cuerpos se convierten en lienzos haciendo de los seres humanos obras de arte literalmente vivas. Algo que no está muy lejos del mundo de hoy: sólo hay que pasear con mirada furtiva por la calle para ver hermosos dibujos adornando la piel de los demás transeúntes: el acto de tatuarse nunca ha estado tan vivo. Y quizá algunos de esos tatuajes que se pueden entrever hayan sido pergeñados por uno de los seis tatuadores imprescindibles en Málaga que presentamos a continuación.

Lejos quedan los tiempos en los que esta forma artística era patrimonio casi exclusivo de legionarios y de patio de presidio. En la actualidad es de uso común: tu tía abuela Rosalía, a sus 76 castañas, se acaba de hacer el tercero.

Tatuar siempre ha sido un arte ligado a tradiciones profundas. Numerosas culturas como la japonesa o la maorí cuentan con un antiquísimo folclore enraizado al arte del tattoo. También ha estado muy relacionado con los bajos fondos y a organizaciones delictivas como las tríadas chinas o la mafia rusa.

Cada época ha contemplado el acto de tatuarse de un modo distinto: hoy por hoy es algo totalmente normalizado. Tanto que incluso podríamos decir que casi obligatorio: de hecho, cuenta la leyenda que en Málaga nadie sin tatuajes puede trabajar de camarero.

Sea este rumor real o no, lo cierto es que a los siguientes tatuadores no les va a faltar el trabajo en mucho tiempo:

La tatuadora Laura Ortiz

Laura Ortiz no tenía claro qué quería ser de mayor. Lo que sí sabía era que le gustaba dibujar, lo que ha hecho durante toda su vida y lo que la llevó estudiar Bellas Artes en la Universidad de Málaga donde un chico que tatuaba le introdujo en este mundo.

Al principio Laura no se sintió muy atraída por los tatuajes, “principalmente por la responsabilidad que supone tatuar a una persona y porque estaba cómoda entre lápides y pinceles”, asegura.

Sin embargo, tras terminar la carrera, tratar de vivir un año de su arte y marcharse a Barcelona para estudiar un máster en Artes y Educación con la intención de convertirse en profesora, regresó a Málaga sin un plan B en la recámara. Fue entonces cuando la bombilla se encendió y Laura pensó que “lo de tatuar no sería tan mala idea”.

Y, como todo lo que ha emprendido esta artista en su vida, se metió de lleno: estudiaba a diario los materiales, la piel como lienzo, las técnicas, las curas… Lo hizo así porque la responsabilidad de tatuar es para ella enorme: “no puedes hacer desparecer un tatuaje si el resultado no te convence”.

Un fuerte aprendizaje, un lanzarse a la piscina, y Laura lleva ya dos años y medio metiendo tinta entre la piel de sus clientes.

Una de las creaciones de Laura Ortiz.
Una de las creaciones de Laura Ortiz.

¿Y sus lienzos con patas están contentos?, ¿les convencen los resultados? Pues parece que sí porque Laura tiene a día de hoy cerrada su agenda, un año de lista de espera y este mes de septiembre abre su propio estudio.

Y sigue aprendiendo e inspirándose con el trabajo de numerosos artistas, tanto del mundo del tatuaje (Kindamo, Coreh López, Alex Sorsa…) como de las artes plásticas (Dirk Dzimirsky, Diego Fazio, Gabriel Moren…).

Lo que es la vida: a pesar de no haberse imaginado algo así de niña, actualmente el mundo de los tatuajes ocupa el día a día de Laura. Y ella y sus clientes no podrían estar más felices.

Pifa Alarcón aka Pifanida

Pifa Alarcón reparte arte malagueño en Canadá (¡oh, Canadá!).
Pifa Alarcón reparte arte malagueño en Canadá (¡oh, Canadá!).

Pifa Alarcón, aka Pifanida, nació en Tetuán y actualmente vive en Vancouver, pero lleva a Málaga bajo la piel desde que su familia se mudara a la ciudad cuando ella tenía 3 años. En la capital creció y estudió Bellas Artes.

Aunque parezca increíble, aguardó a terminar la carrera para hacerse su primer tatuaje: ay, cosas de las familias y, sobre todo, cosas de las madres: las madres, digan lo que digan (y algunas no dejan espacio para dudar), siempre odiarán los tatuajes de sus hijos.

Pifa siempre ha tenido una vida ligada al arte y desde joven ya pintaba sobre la piel de sus primos y hermanos, pero no fue hasta que se hizo ella misma un tatuaje que pensara en dedicarse profesionalmente a este sector.

Sin embargo, “hace una década era más complicado formarse para ser tatuador“, por lo que Pifa se marchó a Irlanda para después dar el salto a Canadá, donde se hizo un tatuaje handpoke (sin máquina) con un artista de Montreal llamado Charlie Horse y la experiencia la cautivó.

La técnica que cultiva Pifa se denomina 'handpoke'.
La técnica que cultiva Pifa se denomina ‘handpoke’.

Así que decidió aprender sola y unirse a la nueva ola que estaba arrasando en el mundo del tattoo, marcada por la presencia de más ilustradores, de más aprendizaje autodidacta, de un mayor intercambio con otros artistas y con una comunidad más cercana, con un mayor respeto por este arte.

El aprendizaje de Pifa empezó por ella misma: “comencé a tatuar mi cuerpo, y luego a amigos que demostraban ser muy amigos”.

Pifa se dio cuenta que dibujaba más tatuando que trabajando en un estudio de diseño, y que eso la hacía más feliz, por lo que en 2017 dejó su trabajo y montó un pequeño estudio de tattoo en su propia casa. En tan sólo tres meses era la única labor remunerada que tenía que desempeñar para ganarse la vida.

Hoy en día trabaja en un estudio privado, Home Body Tattoo, donde comparte espacio con otros tres artistas y donde se dedica a los tatuajes handpoke con notable éxito.

Pifa no deja de aprender cada día más y más y es un caso claro de fuga de cerebro y manos.

Ana Fernández aka Anitafer Tattoo

La tatuadora y amante de los gatos, Anitafer.
La tatuadora y amante de los gatos, Anitafer.

A sus 33 años, Ana Fernández, más conocida como Anitafer, lleva más de cinco tatuando en su ciudad natal, Málaga.

Licenciada en Bellas Artes, llegó a este mundillo cuando buscaba una salida profesional relacionada con el arte y que le diera para algo más que para comer. Y sin pensarlo mucho, acabaría por descubrir que el tatuaje es su pasión.

Hasta ese momento había trabajado como diseñadora gráfica y, principalmente, como dibujante de retratos por encargo, pero la remuneración apenas le alcanzaba para pagar las facturas.

“Tuve la suerte de contar con la ayuda de Rubén Ruiz, un muy buen tatuador malagueño, que confió en mi trabajo y me acompañó en mis primeros pasos; siempre le estaré agradecida”, comenta Ana, rememorando sus primeros pinitos.

A partir de ahí, lo difícil: practicar, practicar y practicar para ir mejorando cada día, encontrar su propio estilo y llegar a tener lista de espera de meses entre sus clientes.

El tipo de tatuaje en el que se ha especializado está artista se basa en el realismo en negro y grises, dedicándose especialmente a los retratos.

Los mini retratos realistas a todo detalle, como este de Alejandro Sanz, que miden algo más de 10 cm de largo, son muy típicos en el trabajo de Anitafer.
Los mini retratos realistas a todo detalle, como este de Alejandro Sanz, que miden algo más de 10 cm de largo, son muy típicos en el trabajo de Anitafer.

Comenzó a tatuar a amigos y conocidos desde una habitación en su propia casa, pero pronto se le quedó pequeña y alquiló una pequeña sala en una peluquería.

Sin haber transcurrido si quiera un año, montó su propio estudio por Cristo de la Epidemia, Espacio CAT, junto a su amiga Pertierra. Hasta que hace un par de años decidieron crecer por separado y el estudio pasó a ser en exclusiva de ella bajo el nombre de Anitafer_tattoo Studio.

En el estudio trabajan, además de Ana, Anthoony tattoo y Cáliz Piercing stetic. Sin contar a los tatuadores invitados, a los que trae durante unos días para ofrecer a sus clientes otros estilos de este arte.

Como curiosidad, todo el estudio está decorado con gatos, “todo el que me conoce sabe que los adoro”, explica Anita; por lo que no descarta en un futuro cercano cambiarle el nombre al negocio y ponerle alguno acorde con esta felina temática.

Tatuador Pedro Sañudo aka ‘Pedro or die’

Pedro Sañudo aka ‘Pedro or die’ es un malagueño de adopción que se inició en el mundo del tatuaje hace ocho años justo al terminar sus estudios como ingeniero en Diseño Industrial.

El arte surge de las manos de Pedro desde hace ya bastante tiempo: con 14 años comenzó a pintar graffitis y desde entonces se ha sentido atraído por otros tipos de arte.

Se arrancó haciendo tatuajes en estilo new school por su semejanza con el graffiti y con el tiempo empezó a especializarse en neotradicional, un estilo que mezcla detalles del realismo con el tatuaje tradicional.

La especialidad de Pedro son los tatuajes de animales llenos de vida y color.
La especialidad de Pedro son los tatuajes de animales llenos de vida y color.

Para ello, “he trabajado todo este tiempo en un estudio de la provincia en el que entré como aprendiz, hasta hace pocos meses que decidí abrir mi propio estudioMarengo Tattoo, en pleno barrio de El Perchel“.

La especialidad de este tatuador son los tatuajes de animales y mujeres con un fuerte componente salvaje, pero es capaz de unir a su estilo marcado cualquier idea, porque como él mismo dice: “me encantan los retos”.

Tatuador Sergio Fernández

Gracias a su madre, en todos los sentidos, disfrutamos del arte de Sergio Fernández.
Gracias a su madre, en todos los sentidos, disfrutamos del arte de Sergio Fernández.

A pesar de lo que hemos dicho antes, la afirmación de que las madres odian los tatuajes pierde toda la validez con Sergio Fernández. Como si las madres no dieran ya poco, la piel de su progenitora fue el lienzo sobre el que a los 19 años este malagueño trazó su primera creación. “Desde mis inicios siempre me ha apoyado”, recuerda echando la vista atrás.

Su salto al tatuaje, como en el caso de otros artistas del gremio, fue desde el dibujo: “yo solía dibujar a carboncillo como hobbie, haciendo retratos de personas, hasta que me compré mi primera máquina y empecé a tatuar”.

Así, mirando vídeos en Youtube (no sabemos si narrados con acento sudamericano), fue como aprendió a poner a punto la máquina, ya que el mantenimiento de las herramientas era algo más complicado hace algunos años.

Poco a poco, con su propia vivienda como estudio, fue compaginando el que entonces era su trabajo con el de tatuador. Aparte de su propia madre, amigos y vecinos fueron prestando su piel a Fernández para mejorar su técnica, hasta que llegó a especializarse en el realismo en blanco y negro; “mi estilo por excelencia”, reconoce.

Sergio se especializa en el realismo en blanco y negro.
Sergio se especializa en el realismo en blanco y negro.

Tres años después, comenzó a trabajar en un estudio local de reconocido prestigio y de ahí pasó a otros con la idea de seguir formándose y mejorar su pericia, lo que le ha llevado incluso a colaborar con otros estudios de España y también de Canadá.

En 2014 abrió un estudio propio y hace un año se embarcó en un nuevo local más grande, con la idea de formar un equipo. Y así fue como surgió Seven Tattoo, que actualmente lo conforman cinco profesionales que dan servicio desde el barrio de Ciudad Jardín de la capital.

Sergio Fernández cuenta en su proyecto con Jose Miguel Duque -especializado en retratos-, Rubén Pascual -realismo y microrrealismo-, Samuel López -grandes proyectos de mangas y piernas completas- y Marina Domínguez -mánager y técnica de láser, es la encargada de aclarar los tatuajes antiguos para nuevas creaciones-.

Tatuador Toni García

Toni García en plena faena.
Toni García en plena faena.

Ha pasado más de una década desde que Toni García se iniciara en el arte del tatuaje en su Córdoba natal.

Y después de pasar por diferentes puntos de Europa en busca de la perfección de técnica y estilo, se ha establecido en la Costa del Sol, desde donde su éxito está siendo más que evidente.

Su pasión por las artes gráficas se despertó gracias a su madre, una profesora que colmó su infancia de pinturas, brochas, pinceles, cinceles para esculpir, y miles de soportes diferentes para la creación.

“Siempre estuvimos los dos solos, en un hogar escaso de videoconsolas y action mans, pero con un rincón donde fomentar mi creatividad y mis capacidades gráfico-plásticas; siempre fue una de sus metas”, explica sobre sus primeros contactos con las bellas artes.

Ya durante el Bachillerato se decantó por la especialidad artística, e incluso se marchó al extranjero durante 4 años, siempre con el objetivo se seguir formándose.

Ahora, con la experiencia que dan los años, se muestra aún más convencido de que para ser parte de lo que él denomina “el gremio de los artesanos del tatuaje” el tiempo de aprendizaje es esencial.

Porque “el tatuador no es una impresora, sino un artesano que brinda sus capacidades al pueblo, tanto artísticas como personales”.

Los tatuajes de Toni García están llenos de fuerza y pasión.
Los tatuajes de Toni García están llenos de fuerza y pasión.

Después de viajar por Europa en busca de referencias artísticas, con 23 años empezó a trabajar en Córdoba, en Inkviati Tatoo Studio, donde junto a sus dos compañeros de equipo, Zipo y D. Herrera, conformaron una pequeña familia que asistía a convenciones y diferentes eventos relacionados con el mundo del tatuaje.

“Terminé de construirme como artista a base de años y mucha constancia, salí encauzado y agradecido por todo lo vivido, y por las mil ideas compartidas en el día a día sobre cómo mejorar y convertirnos en artistas polivalentes”, asegura.

Hoy, ya con 31 años, García ha decidido trasladarse a la costa junto a su mujer Alejandra, “donde estamos viviendo el sueño de seguir haciendo lo que nos gusta, añadiendo un flujo de diferentes culturas y viajeros de muy diversos países, los cuales no dejan de aportar ideas nuevas a mi trabajo y la opción de poder seguir creando obras de impacto”, concluye.

Destacada

Música y Noticias Musicales

Canción

Heaven’s Only Wishful (Extended Version)

Artista

MorMor

Álbum

Heaven’s Only Wishful

GABRIEL GARZÓN MONTANO

¡BESTIAL! Cuánto talento!!!!!!! AGÜITA, AGÜITA.. Garzón-Montano nació y se crió en Carroll Gardens, Brooklyn de padres inmigrantes, una madre francesa y un padre colombiano. Su madre era miembro del conjunto de Philip Glass como mezzosoprano y tocaba guitarra, violonchelo y piano en la década de 1990. Fue a ensayos como mezzosoprano independiente y actuó en el coro de la Ópera de Nueva York en el Lincoln Center durante su infancia. A los 12 años aprendió a tocar la batería y continuó con la guitarra, el piano y el bajo. Garzón-Montano actuó en una banda de funk de 12 miembros llamada Mokaad durante sus años universitarios, donde aprendió a hacer arreglos de música funk. Se graduó de SUNY Purchase.

VETUSTA MORLA Una vez más se me eriza la piel al escucharlos!!!

FLORENCE ANDA THE MACHINE (estilizado como Florence + The Machine1​) es el nombre de la banda británica de indie rock liderada por la cantante Florence Welch.

El sonido de Florence and the Machine ha sido descrito como una combinación de varios géneros, incluidos el rock y el soul. Su música ha recibido varios elogios en los medios de comunicación antes de que ganaran éxito comercial, especialmente por parte de la BBC la cual jugó un papel importante en el crecimiento artístico de Florence and the Machine, promocionando la banda en el programa BBC Introducing.

LA LA LOVE YOU. La banda madrileña que acaba de estrenar nuevo single, “Miedo y futuro” y prepara nuevo lanzamiento para el viernes 14 de junio, se ha convertido en el fenómeno viral de la semana entrando con ¡seis! canciones en la lista de Spotify “Los 50 más virales de España”, alcanzando la primera posición con “Más Colao que el Colacao”, superando el medio millón de escuchas, y todo esto en apenas 6 días.

Nirvana: Dave Grohl reflexiona sobre los 30 años de “Smells Like Teen Spirit”

El líder de Foo Fighters recordó con emoción la primera vez que Nirvana tocó “Smells Like Teen Spirit” el 17 de abril de 1991 y habló del valor sentimental que le tiene a ciertas canciones.

Nirvana – Foto: Mark Seliger

Parece difícil de creer que ya han pasado casi 30 años de la salida de Nevermind, el álbum que consagró a Nirvana como una de las bandas más importantes de la historia del rock. El disco fue publicado el 24 de septiembre de 1991 y debutó en el puesto 144 en la lista de Billboard 200, pero fue creciendo en popularidad sin necesidad de estrategias de marketing radial y llegó a vender 10 millones de copias en sus primeros ocho años, según lo reportado por la Recording Industry Association of America.

Pero incluso antes de la llegada de esa placa, el explosivo sencillo “Smells Like Teen Spirit” empezó a llamar la atención de miles de jóvenes en todo el mundo. La canción escaló rápidamente hasta el puesto número 6 en el listado “Billboard Hot 100” y sobre el éxito arrollador del tema, Dave Grohl -en conversaciones con USA Today- dijo lo siguiente:

“Éramos niños. Creo que yo tenía 21 años cuando escribimos esa canción. Fue durante un ensayo que hicimos en un espacio que era un granero reconvertido, y solo queríamos entrar y trabajar. Así era nuestra vida en ese momento: estábamos comiendo y durmiendo para poder volver al espacio de ensayo y escribir más canciones”.

Dave Grohl.

Más adelante, el líder de Foo Fighters recordó con emoción la primera vez que Nirvana tocó “Smells Like Teen Spirit” en vivo el 17 de abril de 1991 en el local musical del OK Hotel de Seattle: “En general, cuando tocás una canción que no forma parte de tu repertorio conocido, la gente se para y escucha. La primera vez que tocamos ‘Smells Like Teen Spirit’, el lugar se volvió una locura y eso no nos había sucedido antes, así que no sabía lo que significaría. Lo supe sonoramente, esto va a hacer que la gente se mueva. Y así fue”.

Finalmente, el artista confesó que hoy en día le tiene un tremendo valor sentimental a las canciones de esa época: “Mi conexión con esas canciones es un poco más profunda que solo musical. Entonces, cuando escucho esas canciones en la radio, es casi como volver a la casa de tu madre y hojear los mismos álbumes de fotos que ella tenía desde que eras un niño. Has mirado la imagen mil veces, se está desvaneciendo, pero te lleva de regreso a aquel momento”.

“Cuando escucho esas canciones me devuelve al momento de la grabación. Puedo recordar la camiseta que usé. Puedo acordarme del frío que hacía. Puedo recordar la batería. Así que esa es mi conexión con esos temas. Tengo mis teorías sobre por qué tanta gente se conectó con ellos y por qué Nirvana se convirtió en una banda popular, pero la mía está un poco más distorsionada que la de un crítico musical”, concluyó.

El mítico dúo de baile se ha retirado 28 años después de formarse en París

22 de febrero de 2021

Daft Punk , el dúo parisino responsable de algunas de las canciones dance y pop más populares jamás hechas, se ha separado. Dieron la noticia con un video de 8 minutos titulado “Epílogo”, extraído de su película de 2006 Electroma . Cuando se le preguntó si Daft Punk ya no existía, su publicista Kathryn Frazier confirmó la noticia a Pitchfork, pero no dio ninguna razón para la ruptura.

Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo formaron Daft Punk en París en 1993, ayudando a definir el estilo de toque francés de la música house. Su álbum debut, Homework de 1997 , fue un hito en la música dance, con los sencillos clásicos “Around the World” y “Da Funk”. Con el lanzamiento de su seguimiento, Discovery , en 2001, el dúo había comenzado a hacer apariciones públicas con los trajes de robot que se convirtieron en su marca registrada. Los sencillos “One More Time” y “Harder, Better, Faster, Stronger” los consolidaron como superestrellas mundiales. Su huella en la imaginación popular continuó profundizándose en los años posteriores, con registros que incluyen el tercer álbum Human After All , LP en vivo Alive 2007 , y el Tron: álbum de la banda sonora de Legacy .

Veinte años en su carrera, Daft Punk explotó una vez más con ” Get Lucky “, el sencillo principal de su álbum de 2013 Random Access Memories . La omnipresente canción vendió millones de copias en todo el mundo y ganó dos premios Grammy para el dúo y los invitados Nile Rodgers y Pharrell Williams , quienes también aparecieron en el sencillo de seguimiento ” Lose Yourself to Dance “. Random Access Memories le valió a Daft Punk otros tres premios Grammy, incluido Álbum del año, y la ceremonia fue la sede de una de las últimas representaciones de su espectacular show en vivo. “Cuando sabes cómo se hace un truco de magia, es tan deprimente”, dijo Bangalter a Pitchfork en un artículo de portada de 2013.. “Nos centramos en la ilusión porque revelar cómo se hace apaga instantáneamente la sensación de emoción e inocencia”.

El año de acceso aleatorio Memorias ‘liberación, Daft Punk también se acredita con la co-producción de varias pistas de Kanye West ‘s Yeezus , incluyendo el trío formidable apertura de‘On Sight’,‘ Negro Skinhead ’y“ I Am a Dios . ” Continuarían colaborando con Weeknd en el sencillo de 2016 ” Starboy “, el primer éxito en la lista de sencillos de Billboard de Daft Punk, así como en un segundo éxito, ” I Feel It Coming “.

Más allá de los solteros, su identidad visual, su mística interestelar y su espíritu de música de fiesta inspiraron a generaciones de artistas de todos los géneros. La canción principal de LCD Soundsystem , “Daft Punk Is Playing at My House”, capturó la encarnación paradójica del estilo hipster del dúo incluso cuando sus singles dominaban las ondas de radio. Lanzaron varios lotes de increíbles productos navideños . Fueron muestreados por los grandes del R&B Janet Jackson y Jazmine Sullivan , parodiados en Family Guy y Powerpuff Girls , y celebrados en galerías de arte de todo el mundo.

GET LUCKY DUFT PUNK

Como la leyenda del ave fénix,
nuestro final es cuando empieza,
lo que mantiene el planeta girando,
la fuerza desde el principio.

Cacha, el freestyler argentino que busca salir de su zona de confort

Después de ganar el campeonato mundial Pangea 2019, el rapero de 22 años presenta sus primeros singles.

Cacha – Foto: Mauro Miy

Eduardo Ignacio Cachavilano, más conocido como Cacha, es un freestyler argentino que hace varios años viene agitando el tablero como uno de los máximos exponentes del doble tempo de la escena nacional. Oriundo de Lobería y radicado en Tandil, el rapero de 22 años forma parte del círculo responsable de la ebullición del género en nuestro país al destacarse en las competiciones más relevantes, desde la Red Bull Batalla De Los Gallos hasta la BDM y La FMS.

Si bien a nivel local Cacha es toda una eminencia, a su vez logró incrementar su popularidad en el exterior al ganar el campeonato mundial Pangea 2019, acompañado por el mexicano Dominic y venciendo en la final a Chuty y Aczino. Este acontecimiento le ameritó el respeto de sus colegas y la propulsión de su carrera hacia nuevos horizontes.

Así como lo demostraron figuras de la talla de Duki, Wos, Trueno y Lit Killah, la experiencia absorbida en los encuentros de El Quinto Escalón no se limita a los eventos en donde la espontaneidad y la verborragia son el arma fundamental del duelo; sino que la composición de canciones resulta un método atractivo para enmarcar la vorágine de palabras que fluye en su cerebro. Motivado por sus seguidores, en octubre Cacha estrenó su primer single, “Me Volví Loco”. Así, abrió otra puerta en su trayectoria, con la misma intensidad que lo caracteriza.

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Tras el éxito de su debut, cuyo video al día de hoy supera las 4 millones de visualizaciones, Cacha dio otro bofetazo al compartir “Voy a morir”, su segunda canción. Producida por Rama Bosh de Suite 484 Music, el freestyler esclarece sus ideales a todo vapor en el estribillo: “Pongo las manos en el fuego, voy a morir haciendo lo que quiero”, canta.

“Es el momento de experimentar, no me quiero encasillar en un mismo estilo y quedarme encerrado en mi zona de confort por miedo a hacer otras cosas”, expresó el tandilense a través de un comunicado sobre su más reciente single que profesa una mirada más introspectiva. “Creo que esta canción me representa mas que la anterior, tiene un mensaje claro y más entrega al publico. Ellos saben que escribo solo las cosas que vivo, y no voy a fingir un acento o inventar una historia para poder sonar un poco más”, agregó.

Mirá el video de “Voy a morir“, co-dirigido por Mig Vázquez y Whaire para Never Brocke Films, a continuación y escuchá a Cacha en plataformas de streaming (SpotifyApple Music).

Jeff Buckley tendrá una biopic y este es el protagonista

El film titulado Everybody Here Wants You estará dirigido por Orian Williams y cuenta con el aval de la madre del artista.

Jeff Buckley, el músico y cantautor estadounidense de rock alternativo que falleció trágicamente a los 30 años, tendrá su biopic oficial. Según ha reportado Variety, el film titulado Everybody Here Wants You -que comenzará a filmarse en seis meses- estará dirigido por Orian Williams y protagonizado por Reeve Carney –Penny DreadfulGemini-.

La cinta producida por Culmination Productions y escrita por Dionne Jones tiene el aval de Mary Guibert -madre del artista- y los administradores de su patrimonio y tendrá acceso a toda la música del compositor. A propósito de este proyecto, Guibert lanzó un comunicado dirigido a los fans de su hijo en el que dijo lo siguiente:

“Esta será la única dramatización oficial de la historia de Jeff que puedo prometerle a sus fans que será fiel a él y a su legado. Por fortuna, mi determinación para reunir a todos los participantes correctos, no importa cuánto tiempo haya tardado, está a punto de culminar de la mejor manera posible”.

Por su parte, Richard Story de Sony Music Entertainment declaró: “Jeff Buckley fue un artista único cuya música tocó el corazón de la gente y cambió sus vidas. Sony Music ha tenido el honor de traer la música de Jeff al mundo y ahora, Everybody Here Wants You está proporcionando una oportunidad única para presentar a Jeff a toda una nueva generación de fans”.

Girl in Red estrena “Serotonin”, producida por FINNEAS y anticipo de su disco debut

La artista noruega se prepara para publicar su esperado disco debut en abril.

Por Rodrigo Piedra

Girl in Redla noruega que comenzó grabando en su cuarto y se convirtió en un icono LGBT, tiene todo listo para dar su próximo gran paso: el lanzamiento de su primer disco de larga duración. Titulado if i could make it go quiet, saldrá el 30 de abril a través del sello AWAL.

Después de compartir los primeros dos cortes, “midnight love” y “Rue”, Girl in Red compartió hoy “Serotonin“. Co-producida por FINNEAS y Matias Tellez, es la encargada de abrir el álbum y ya está disponible en plataformas de streaming.

Marie Ulven, el nombre detrás del alias, dijo lo siguiente sobre el disco que se compone de once canciones: “if i could make it go quiet es un intento de aprender cómo es ser humano; a lidiar con las partes más aterradoras de mí misma; a vivir con el dolor de saber que solo soy carne y huesos; a estar enojada, rota y despiadada pero a la vez poder mostrar mis emociones y no ocultarlas; estoy alumbrando las partes más oscuras de mi mente y estoy dejando que todos entren; if i could make it go quiet es simplemente yo intentando entender qué mierda está pasando”.

Girl in Red irrumpió en la escena con su single “I Wanna Be Your Girlfriend” en 2017 y le siguieron dos EPs, Chapter 1 (2018) y Chapter 2 (2019), entre otros sencillos y recopilatorios. En 2019 estuvo nominada a “Mejor artista nuevo” en los Premios Grammy noruegos. Pasá a leer nuestra entrevista de ese año con Girl in Red: “La gente prefiere la honestidad hoy en día“.

A continuación, el arte de tapa y lista de temas de if i could make it go quiet:

C. Tangana presenta El Madrileño, su esperado nuevo disco

C. Tangana estrena su nuevo disco, El Madrileño, y llega con una mixtura de sonidos e influencias que se presenta como un viaje en sí mismo. Con notables madurez creativa, el artista erige su música moderna y urbana pero atravesada por géneros clásicos como el flamenco y el bossa nova. El español ya había presentado los singles “Nominao” y“Hong Kong” -junto a Jorge Drexler y Andrés Calamaro respectivamente-, pero ahora se puede disfrutar del álbum completo.

El disco se compone de 14 canciones y casi todas cuentan con invitados de diferentes géneros y países. Como pocos artistas del momento,C. Tangana logra la fusión de lo clásico y lo actual con fineza y concreta así sus colaboraciones con bandas como Gipsy Kings o artistas como Calamaro. Cada artista que se suma a sus canciones deja su impronta, por eso El Madrileño es, ante todo, un disco ecléctico.

“Como en los palos de ida y vuelta, que incorporaban los estilos latinoamericanos al flamenco con total naturalidad, o como en el mejor pop, que siempre ha tenido un pie en la experimentación y otro en la tradición, El Madrileño es más madrileño que nunca”, reza la gacetilla oficial. Un disco de viajes en el que C. Tangana sitúa el pincho del compás en Madrid y abre varios radios de distintas circunferencias que llegan a Cuba, a México, a Argentina, a Brasil, a Uruguay y, en general, a toda América Latina.

Como en los libros de viajes, en los discos de viajes importa tanto el lugar al que se va como el lugar del que se viene; importa tanto el viajero como las distintas personas a las que se conoce durante la aventura. En El Madrileño es tan relevante lo que se ha traído C. Tangana de periplo por Sudamérica iniciado hace dos años en Cuba, como lo que él llevó desde Madrid.

Quién es Bakar

El londinense cosecha millones de reproducciones mientras prepara su segundo disco.

Abubakar Baker Shariff-Farr, más conocido como Bakar, es un cantante y compositor de 29 años que desde que compartió su primer canción en 2017 se consolidó como una de las promesas de la música británica. Con una propuesta sonora que le escapa a todo tipo de etiquetas, la trayectoria del oriundo de Camden, Londres amalgama géneros como el hip hop, el rock y el punk, a tal punto que él mismo definió su estilo como “esquizofrénico”.

Luego de cautivar a miles de seguidores con una seguidilla de singles, en 2018 estrenó su álbum debut Badkid, compuesto por once canciones que evidencian su frescura y vitalidad. Un disco contundente en el cual la fusión rítmica es algo esencial para manifestar que en las nuevas generaciones el encasillamiento es tan obsoleto como el conformismo. Badkid insinúa que el Bakar que hoy conocemos, el día de mañana puede sorprendernos con algo totalmente diferente, sin resultar ajeno.

Al año siguiente continuó incrementando su popularidad con el single doble “Chill/ Sold Your Soul”. Pero el verdadero big bang llegó con la salida de Will You Be My Yellow (2019), un EP de seis tracks entre los que se encuentra una colaboración con el rapero estadounidense Dominic Fike, “Stop Selling Her Drugs”, y su mayor éxito indiscutido, “Hell N Back”. Esta última es una canción con un mood relajante que cautiva con la calidez de su voz, acompañada por unos vientos que trasladan al oyente a un paisaje ensoñador del que no se quiere escapar: al día de hoy supera las 58 millones de reproducciones en Spotify y formó parte de numerosos listados de medios norteamericanos de las mejores canciones del año.

“Hago música negra. Somos niños del hip hop, todo viene de ese lugar” expresó Bakar a través de un comunicado aludiendo a sus raíces. Influenciado por algunas figuras del género como Skepta, A$AP Mob o Virgil Abloh, para sus siguientes lanzamientos aunó fuerzas con personalidades que tonifican su talento, como el productor Kenny Beats en “Night Garden” o el rapero Lancey Foux en “Play”.

Durante el encierro pandémico estrenó el single “1st Time” junto a un video dirigido por Héctor Dockrill, reconocido por su labor con artistas de la talla de Jorja Smith, Ray BLK y Skepta. Como broche de oro a tan insólito año, compartió la canción “Having a Good Time, Sometimes” y la noticia de que se encuentra trabajando en su segundo trabajo discográfico que saldrá aproximadamente a mediados de este año.

Escuchá a Bakar en plataformas streaming (SpotifyApple Music).

Delaporte siguen lanzando las piezas de su proyecto feminista “Titanas”. Invitan al grupo Belako a cantar junto a ellos “El volcán”.

Hace unos días que el dúo anunció esta iniciativa en la que invitan a varias voces femeninas a cantar con ellos varias piezas de “Las Montañas” (Mad Moon Music/Gran Sol, 20). Tras Eva Amaral en “Las montañas”, le ha tocado el turno a la formación vasca unir sus fuerzas. Han convertido “El volcán” en una canción más parecida al sonido que hace el grupo de rock de Euskadi que a la pieza original, repleta de tintes de pop y electrónica.

DELAPORTE

En el vídeo se puede ver cómo tocan en directo esta pista y lo bien que funcionan Belako junto a Delaporte encima del escenario. Dándole todo el protagonismo a las participantes femeninas, ya que este proyecto esta hecho por y para ellas. El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales a través de este mismo enlace. Ahora queda saber cuando revelarán las otras canciones que quedan por salir junto a las otras invitadas de lujo: Rigoberta BandiniAnajuDoraRozalén y Zahara. Un proyecto que quiere mostrar a las mujeres en el directo y seguir luchando por la igualdad de géneros en todos los ámbitos y, en su caso, en el musical.

“Yo nací para ser perra, por favor dejadme serlo” o cómo la canción de Rigoberta Bandini reclama a las mujeres como sujetos deseantes

  • La última canción de la artista ha logrado convertirse en esa habitación propia de la que hablaba Virginia Woolf y que tanto hemos necesitado las mujeres a lo largo de esta pandemia.
  • “Si yo pudiera ser perra, por favor dejadme serlo, sólo pido ir sin correa a pasear” es uno de los versos con los que arranca ‘Perra’, la canción de Rigoberta Bandini que va camino de convertirse en un canto a la liberación femenina. Y es que, en poco más de tres minutos, la canción compuesta por la propia Paula Ribó, el verdadero nombre detrás del artístico Rigoberta Bandini, ha logrado convertirse en esa habitación propia de la que hablaba Virginia Woolf y que tanto hemos necesitado las mujeres a lo largo de esta pandemia, cuando de repente, los límites de lo personal y lo profesional se difuminaron y nuestras necesidades pasaron a un cuarto plano.
  • En apenas un año, Rigoberta Bandini ha pasado de ser la banda sonora de los confinamientos más vanguardistas, a esa artista que sin haber publicado todavía un álbum completo ya acumula más de 200.000 oyentes mensuales en Spotify. Así, mientras en la cuarentena cantábamos Too Many Drugs a la vez que hacíamos un bizcocho con aquella harina agotada, Perra ha llegado para unir a las mujeres en un momento en el que el feminismo está tan criminalizado como dividido. 

BESTIAL!!!!!!!! Directo de “La Piedra Invisible” de Izal. Grabado el 25 de febrero de 2017 en el Wizink Center (Palacio de Deportes de Madrid). Jorge Drexler aparece por cortesía de Warner Music Spain S.L.

GENIAL!! #Rigoberta Bandini Detrás de ese pseudónimo artístico está Paula Ribó (Barcelona, 1990), actriz, directora, escritora y cantante.

In Spain we say It’s amargura

In Spain we say ay me desangro

In Spain we say qué coño hago

In Spain we say joder qué largo

Destacada

Fotos

Entendemos por fotografía al acto mediante el cual una persona, a través del uso de una cámara fotográfica preparada para reflejar la realidad que se observa a partir del uso de lentes y del trabajo con la luz, retrata un instante o momento particular de la vida. La fotografía tiene como característica que genera una imagen que sirve como recuerdo de ese momento que tal vez no vuelva a repetirse y que además es visto y comprendido a través de los ojos de quien saca la fotografía, lo cual puede hacer que esa imagen también se vuelva irrepetible por ese hecho ya que nadie tal vez vuelva a tener la misma mirada.

La almeriense Amalia López Cabrera, primera mujer fotógrafa de España

Retrataba igual a caballeros con levita y descomunales patillas, que posaban durante varios minutos para la posteridad mirando al infinito, que a señoras burguesas con aquellos vestidos siniestros del XIX cuajados de raso y organdí, que se insertaban en tarjetas de visita con grabados al dorso de las ruinas de Pompeya o del carnaval veneciano.

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Desconocida hasta la saciedad, ignorada hasta el sonrojo, la almeriense Amalia López Cabrera fue desde 1860 la primera fotógrafa española con estudio profesional propio en la calle Obispo Arquellada de Jaén, antes de que existiera siquiera una sola fotografía conocida de la Almería en la que nació.

Fue la mujer pionera de la fotografía en España por antonomasia, a tenor del año en que se inició -1859- a través de su mentor el misterioso Conde de Lipa, sin contar a la archiconocida Anäis Napoleón, que nunca contó con estudio propio sino que actuó como ayudante de su marido, el fotógrafo Antonio Fernández, en Barcelona. La historia de Amalia, esta olvidada precursora del daguerrotipo, comenzó en Almería, la ciudad donde nació en 1836.

Era hija de Antonio López Gibaja, un comerciante avecindado en la calle Posada junto a su esposa, tres hijos y dos criadas, según el Padrón general de vecinos y almas de la ciudad, de 1837. Allí, en esa confluencia cercana a la calle Real y al Malecón, creció Amalia, junto al recién creado Liceo, de Francisco Javier de León Bendicho.

Almería era aún una ciudad conventual, amurallada y porticada, la capital de la recién creada provincia independizada de Granada por obra y gracia de Javier de Burgos. Era entonces el entorno de su casa una zona frecuentada por marineros, portuarios y cosarios, donde medraban tabernas, bodegas y fondas, como la Pensión de los Vapores de la calle Emir (hoy Braulio Moreno), donde durante unos meses de 1854 se alojó el ingeniero y literario José Echegaray.

Con poco más de veinte años, Amalia conoció a Francisco López Vizcaino, un viudo y atribulado impresor jiennense con el que convino casarse en 1858 marchando a vivir a esa tierra de anchos olivares. Él ya tenía tres hijos mayores y ella, sin demasiadas ataduras domésticas, necesitaba una afición para distraerse en esa ciudad aún extraña para ella a la que no llegaba el yodo marino almeriense sino el sopor penibético.

Cuando oyó hablar de un conde que había llegado a Jaén, que enseñaba magia como un zíngaro con una cámara oscura, no lo dudo y se plantó en su buhardilla. Amalia había leído acerca de ese nuevo invento del daguerrotipo que estaba haciendo furor en Francia y se convirtió en la primera discípula del Conde de Lipa, un antiguo capitán del ejército polaco exiliado en Francia.

Luis Tarszenski, que así se llamaba, se había convertido años atrás en amigo personal de Louis Daguerre, quien le introdujo en las artes misteriosas de la fotoquímica y en los secretos de los posados. Tras producir una serie de daguerrotipos sobre obras del Museo del Louvre, el rey galo Luis Felipe le otorgó el título nobiliario con el que se dio a conocer en la Península.

Recorría el conde España como aquellos fotógrafos románticos, como Laurent o Clifford, atraídos por el exotismos de sus tipos humanos como antesala pintoresca del mundo oriental. La alumna almeriense se entusiasmo con el secreto de las placas, la rebeldía de los baños de plata y la desesperante lentitud de las exposiciones. Hasta que dominado el arte, a Amalia no le costó demasiado convencer a su marido para montar su propio estudio, el primer bufete fotográfico profesional que abría una mujer en España en el remoto año de 1860, cuando aún la fotografía -ese arte del demonio entonces- aún no había traspasado los umbrales del Cañarete.

Cuando Amalia sacaba retratos a niños jiennenses vestidos como adultos, con cigarro en los labios y sombrero en la mano, y ancianos de cuerpo presente, en esas imágenes postmorten como las que aparecen en la película Los Otros, Almería, su ciudad natal, aún no tenía fotógrafo en su vecindario y aún faltaban dos años para que Clifford tomara la primera imagen estereoscópica que se conoce de la ciudad y la del kiosco del esparto, coincidiendo con el viaje de Isabel II.

Cuando Laurent o Rodrigo o García Ayola aparecieron por Almería, la jovencita Amalia ya llevaba años fotografiando la catedral de Jaén o a su propio maestro con su familia, firmando las fotos como Amalia L. de López. En el barrio jiennense de la Merced, junto al taller tipográfico de su marido, ejerció Amalia su oficio. En El Anunciador, un periódico local de Jaén, se publicitaba el Gabinete Fotográfico de la almeriense: “Amalia L. de López: retratos, grupos, vistas, en todos los tamaños, se sacan fotografías aún en días nublados, tiempo de exposición casi instantáneo, no se entregan si no satisfacen a los clientes”.

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Colaboró también con su maestro, el legendario conde polaco, que era Fotógrafo de Cámara de la Reina, en varios trabajos que llevan su firma, como el inicio de las obras de la Biblioteca Nacional en el Paseo de Recoletos de Madrid.
Amalia no se conformaba solo con esa labor de fotógrafa provinciana y añoraba poder recorrer el mundo a lomos de caballería emulando a los retratistas ingleses y franceses, documentando tipos humanos y obras de ingeniería. Prueba de esa pasión por su oficio fue su participación en el Concurso Nacional de Fotografía de 1868, celebrado en Zaragoza, en el que obtuvo una mención honorífica.

Pero lejos de progresar como fotógrafa, Amalia debió marchar en 1869 con su marido a Madrid, quien acababa de ganar la concesión del Gobierno para imprimir La Gaceta Agrícola. Los emolumentos del matrimonio prosperaron, se afincaron en la burguesa Plaza de los Ministerios y Francisco se dedicó a reeditar obras de clásicos, afiliándose al Círculo conservador de Cánovas del Castillo.

Allí en la villa y corte se pierde la pista como fotógrafa de Amalia, la aventajada almeriense, ahogado su arte- como el de tantas féminas- en las prioridades de su marido. Ya nunca más consta que volviese a disparar una cámara o a positivar en papel albúmina, ni siquiera que volviera a recorrer aquellas calles de su infancia refrescadas por el viento salobre del Poniente

20 MUJERES FOTÓGRAFAS QUE TIENES QUE CONOCER

Nunca se han visto tantas imágenes como actualmente, nunca nada ha sido tan documentado y compartido como las fotos que todos hacemos y que nos emocionan. ¿Por qué una foto nos puede hacer llorar, reír, viajar, o incluso cambiar la vida? Una imagen vale más que mil palabras y estas mujeres fotógrafas dedicaron, y dedican, toda una vida a lo que nos hace vibrar más -¡una imagen! Al final, una imagen ya ha cambiado vidas, ya ha derribado gobiernos, ya ha cambiado conciencias, y cuando tenemos historias de mujeres fotógrafas que ni un colchón tienen en su casa porque su vida está dedicada a perseguir momentos inmortalizados por sus fotos, pensamos que: ¡esta es la imagen de grandes mujeres!

1. Ruth Orkin

La fotógrafa Ruth Orkin captó una de las imágenes más determinantes, y con la que, aún hoy, cualquier mujer se puede identificar. Esta imagen nos recuerda lo que era ser una mujer sola en la Europa de la segunda guerra mundial. Esta foto captada en 1951 muestra a la amiga de Ruth, Ninalee Craig, paseando en una calle de Florencia, donde hombres extraños notaban y ponían de manifiesto su presencia. La hija de Ruth, Mary Engel, afirma que a pesar de que esta imagen no había sido escenificada, su objetivo era el de mostrar a una mujer explorando sola el mundo. Ruth Orkin trabajó para el New York Times, y fue corealizadora de una película nominada para los Óscar. Antes de su fallecimiento, en 1985, el Metropolitan Museum of Art en Nueva York hizo una exhibición de su trabajo.

2. Nan Goldin

Las fotos de Nan Goldin son todo menos insignificantes. Considerada la fotógrafa más influyente de los últimos 50 años, la emoción desnuda que esta fotógrafa transporta a sus fotos es extremadamente realista. Nacida en Washington y habiendo expuesto su primer trabajo en un club nocturno en Nueva York en 1979, Nan Goldin marca sus imágenes con sexualidad, transgresión y abuso de drogas, principalmente en los 80. En el 2004, su serie “Sisters, Saints & Sybils”, Hermanas, santas y sibilas, observa el suicidio de su hermana Barbara a los 18 años. Nan Goldin es la diosa de las memorias crudas, congeladas en el tiempo.

3. Annie Leibovitz

Todos conocen a Annie Leibovitz y su trabajo en el mundo de los famosos. Annie nació en 1949 en Connecticut y su primer trabajo famoso lo hizo en 1970 para la revista Rolling Stone, donde fotografió a John Lennon, siendo dos años más tarde nombrada jefa de fotografía de la misma revista. Así, su carrera ha tomado un rumbo de éxito hasta los días de hoy. En 1980, volvió a fotografiar a John, esta vez con su mujer Yoko Ono, y con la primera polaroid inmortalizó una de las más famosas fotos de la pareja. En 1983 empezó a trabajar en Vanity Affair, donde fotografió un sinfín de famosos, entre ellos Barack Obama. Annie Leibovitz fue la primera mujer a ser exhibida en el Smithsonian National Portrait Gallery en Washington, D.C.

4. Helen Levitt

Hasta su muerte en el 2009, Helen Levitt fotografió las calles de Nueva York y las escenas callejeras que caracterizan sus fotos. Siendo una de las fotógrafas menos aclamadas de su época, Helen tiene un trabajo memorable, como se puede ver en la imagen en la que retrató, primero en blanco y negro y después en color, la vida callejera en Nueva York.

5. Shirin Neshat

Nacida en 1958, en Irán, Shirin Neshat es conocida por las ideas de feminidad de su país. Su trabajo tiene como punto central: la diferencia en la dualidad entre Irán y el mundo occidental, entre lo femenino y lo masculino, antigüedad y modernidad, el negro y el blanco. Su trabajo tiene en vista las dimensiones políticas, sociales y psicológicas de las experiencias de las mujeres en las sociedades islámicas actuales, donde reconoce a las fuerzas religiosas que moldean las identidades musulmanas de las mujeres por todo el mundo. Puedes ver su TED talk aquí: https://www.ted.com/talks/shirin_neshat_art_in_exile

6. Lalla Essaydi

Nacida en Marruecos en 1956, la fotógrafa Lalla Essaydi crea fotos ensayadas de mujeres árabes, investigando el formato del poder y la manifestación de género en la manera como sus modelos posan con sus cuerpos en espacio negativo. Muchas de sus fotos implican textos, en particular caligrafía árabe, algo que tradicionalmente es realizado en Marruecos por hombres. Su trabajo es autobiográfico, enfocándose en sus experiencias mientras crecía en Marruecos y como mujer viviendo en Arabia Saudí, sin embargo, va más allá de estas experiencias, que se unen también a su realidad occidental.

7. Sally Mann

Nacida en 1964 en Virginia, Sally Mann es una de las fotógrafas contemporáneas más controvertidas, especialmente debido a su serie “At Twelve: Portraits of Young Women” donde capta la adolescencia de la vida de las niñas que exhibe como un período de búsqueda por la independencia y el cambio. Sally caracteriza su trabajo por la distancia que existe entre adultos y niños y lo retrata con una cámara de por medio.

8. Tina Modotti

De nombre Assunta Adelaida Luigia Modotti Mondini, la fotógrafa más conocida como Tina, nació en Italia en 1896 y emigró a Estados Unidos con 16 años. Tina fue actriz, activista política y artista antes, durante y después de su boda con el fotógrafo Edward Weston. Tina creó un abanico de fotos increíbles, especialmente las realizadas en México antes de su muerte en 1942. Tina Modotti fotografió y formó parte de la corriente de murales mexicanos liderada por Diogo Rivera, y en su tumba Pablo de Neruda escribió: Pure your gentle name, pure your fragile life, bees, shadows, fire, snow, silence and foam, combined with steel and wire and pollen to make up your firm and delicate being.

9. Dorothea Lange

Su famosa foto titulada “Migrant Mother” captada durante la gran depresión le dio fama, pero la gran depresión también acabó con su negocio de fotografía. En 1931 Dorothea Lange tuvo que enviar a sus hijos a un colegio interno, vivir separada de su marido y abandonar su casa mientras ambos trabajaban en estudios distintos. Dorothea comenzó a fotografiar los efectos que la gran depresión de 1930 tenía en las personas y acabó por exhibir su trabajo con la ayuda de los fotógrafos Willard Van Dyke y Roger Sturtevant. Una de sus otras fotos más famosas de esta época es la “White Angel Breadline”. En una entrevista, Dorothea habló sobre su foto “Migrant Mother” y dijo: “Solo sobrevivíamos. No le pregunté su nombre ni su historia. Ella me dijo su edad, tenía 32 años. Me dijo que ella y sus hijos habían estado viviendo de vegetales congelados de los campos de las afueras, y de los pájaros que sus hijos mataban. Había vendido incluso los neumáticos de su coche para comprar comida.”

10. Anna Atkins

Anna Atkins, que falleció en 1871 con 72 años, es aclamada como la primera mujer fotógrafa. Anna también es reconocida como la primera mujer que publicó el primer libro ilustrado con fotos, en lugar de las comunes ilustraciones hechas en ese tiempo. Anna vino del mundo científico de la botánica, siguiendo los pasos de su padre. Anna y su padre eran muy amigos de William Henry Fox Talbot, el inventor de la primera forma de fotografía, y se sospecha que por ello surgió su interés por este arte. Su libro Photographs of British Algae: Cyanotype Impressions ganó rápidamente la aprobación de sus pares, y al lograrlo estableció la fotografía como un medio aceptado por la comunidad científica.

11. Barbara Kruger

Barbara Kruger es conocida como la fotógrafa feminista. Su trabajo aúna imágenes fotográficas con otros materiales y palabras, que crean declaraciones sobre política, feminismo y otros temas sociales. En su trabajo, Bárbara utiliza impresiones fotográficas, metales, tejidos, revistas y otros materiales que crean imágenes, collages y otras formas de arte. Barbara nació en 1945 en Nueva Jersey, y su trabajo conceptual está marcado por sus valores sociales y por el marco rojo, o línea, alrededor de sus imágenes, así como el texto que incluye en esa banda roja. Su imagen sin título que menciona “Tu cuerpo es un campo de batalla” fue creada para la Marcha de las Mujeres en Washington, en apoyo a la libertad reproductiva.

Otras fotógrafas actuales que tienes que seguir

12. Meridith Kohut

Meridith Kohut colabora actualmente con el New York Times y procede de Venezuela. Su trabajo retrata mayoritariamente la crisis económica y social de este país, y su coraje la llevaron a situaciones de riesgo, mientras captaba grandes fotos. El reportaje que hizo sobre las condiciones de los hospitales para enfermos mentales en Venezuela es verdaderamente chocante, pero sin duda una historia que tiene que ser contada.

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Meeri Koutaniemi, oriunda de Finlandia, ganó, entre otros, el premio Lumix Photo Festival de Alemania en el 2014. Su trabajo fue sobre la mutilación genital femenina. Su enfoque, aunque directo, estaba lleno de respeto e integridad.

14. Mahin Mohammadzadeh 

Mahin Mohammadzadeh, oriunda de Irán, luchó mucho para convertirse en fotógrafa, siendo la única mujer fotógrafa en la provincia de Sistan. Es una mujer determinada, algo fudamental cuando se vive en una de las provincias más pobres del país. Mahin hace fotos de las vidas de una parte del país que rara vez se tiene oportunidad de testificar. Su trabajo es honesto y, sobre todo, real.

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15. Charlotte Schmitz

Charlotte Schmitz nació en Alemania pero vive actualmente en Turquía. Su trabajo se basa en una mujer contemporánea y en los asuntos que afectan a esa mujer. Su punto de vista es siempre personal, en una foto documental.

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16. Justyna Mielnikiewicz

Justyna Mielnikiewicz nacida en Polonia y actualmente asentada en Georgia, es una de las mujeres fotógrafas más importantes de su generación. Justyna Mielnikiewicz explora el tema de las experiencias humanas contando historias sobre mujeres, sexualidad y género en Rusia. Sus palabras son un espejo de su trabajo en la TED Talk que dio en Tiflis.

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17. Melissa Spitz

Melissa Spitz, nacida en los Estados Unidos, crea imágenes fuertes, y su historia fotográfica sobre su madre, que sufre una enfermedad mental es arrebatadora. Su trabajo es crudo y hermoso.

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18. Maja Hitij

Maja Hitij, nacida en Eslovenia y viviendo en Alemania, mientras trabajaba como becaria en la Associated Press en Israel ni un colchón tenía en casa, y nunca se quejó. Maja documentó la dificultad por la que los refugiados sirios pasaron en la frontera entre Eslovenia y Austria, pero también ayudó a recoger alimentos para esos refugiados. Maja Hitij es una fotoperiodista con una misión: marcar la diferencia a través de la fotografía.

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19. Farzana Wahidy

Nacida en Afganistán, Farzana Wahidy capta los momentos más íntimos de la vida cotidiana en Afganistán, usualmente enfocándose en temas relacionados con las mujeres de este país.

20. Violeta Santos-Moura

Nacido en Portugal, Violeta Santos-Moura muestra una mirada profunda de la sociedad israelí. Su visión sobre temas controvertidos bastante comunes se hace con una nueva visión, que permite crear un nuevo aura sobre sus fotos.

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Una exposición fotográfica inédita de La Térmica de Málaga recoge el paso de la estrella Brigitte Bardot por Málaga.

Interesante exposición de fotografías en LA TÉRMICA LA EXPOSICIÓN BRIGITTE BARDOT, MITO Y CLICHÉS EN MÁLAGA EN LA TÉRMICA Del 19 de febrero al 6 de junio de 2021. Exposición de fotografías realizadas durante el rodaje en 1957 de la película Los joyeros del claro de luna, una producción franco-italiana dirigida por Roger Vadim. Las imágenes, realizadas en diversos municipios de la provincia de Málaga, retratan a su protagonista, la actriz francesa Brigitte Bardot, en el apogeo de su fama, y a otros actores como Stephen Boyd, Alida Valli y Fernando Rey) Horario de visita: de martes a viernes de 11.00 a 17.30 horas. Sábados y domingos de 11.00 a 14.30 horas. Lunes Cerrado)

Un libro reúne cien años de fotografía femenina en Andalucía

El volumen, de A.J. González, será presentado este martes en Almería

Un libro reúne cien años de fotografía femenina en Andalucía

Un libro reúne cien años de fotografía femenina en Andalucía

Bajo el título Andaluzas tras la cámara. Fotógrafas en Andalucía 1844-1939, el investigador y redactor gráfico de Diario CÓRDOBA A.J. González rinde homenaje a una serie de mujeres que sin ninguna pretensión narraron con sus fotografías la historia de la comunidad Andaluza en imágenes. El libro, editado por el Centro Andaluz de la Fotografía, será presentado hoy en la sede de este centro en Almería. Con una introducción realizada por la periodista y académica Rosa Luque, el libro es fruto de más de tres años de investigación y recopila el nombre y las fotografías de un centenar de fotógrafas activas en la comunidad durante el primer siglo de vida del invento de Niepce y Daguerre.

Fotógrafas olvidadas por el paso del tiempo y por su condición de mujeres. No obstante, en la rígida sociedad española del siglo XIX y comienzos del XX, en la que la mujer solo era madre, esposa o hija, la fotografía acogió a la mujer en el ámbito laboral y creativo, otorgándole un papel inexistente para la mujer en ese tiempo. La fotografía proporcionó a estas mujeres una gran visibilidad social, algo que no se dio en prácticamente ninguna otra profesión liberal.

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